Janelle Monae se alía con Kia Motors

La empresa automovilística coreana Kia Motors acaba de desarrollar una nueva campaña publicitaria para la que ha contado con artistas destacados de diferentes áreas culturales. En el apartado musical, Janelle Monae ha sido la encargada de poner sonido al proyecto "The Soul Collective" con "Come Alive (The War Of The Roses)". La cantante muestra su faceta más alternativa y funkera en esta pieza que no nos ha dejado indiferentes. ¿Quien dijo que no era sano picar entre horas? Un aperitivo estupendo a la espera de su álbum debut. Sigue leyendo para ver el making-of.

Black Joe Lewis & The Honeybears - Tell 'Em What Your Name Is! (Lost Highway, 2009) [Disco de la semana]

Una de las más placenteras sorpresas de la primera mitad de año fue el descubrimiento de Black Joe Lewis y sus Honeybears. Un auténtico torbellino sonoro que nos golpea nada más sortear los primeros acordes de "Gunpowder". Tell 'Em What Your Name Is! se aleja con acierto del funk rancio, desenfundando la artillería pesada con referencias (¡Y vaya referencias!) al soul de Wilson Pickett, el poderío funkero de los Family Stone y, sobre todo, del GodFather James Brown. Retazos bluesy allí, tanteos con hip-hop allá, Joe Lewis, incombustible voz y guitarra de la banda, deja las medias tintas para el que las necesite y nos brinda un debut de "alto standing" inclasificable y delicioso.

Tan sucia y rasgada la garganta como la sección instrumental que la acompaña, Black Joe Lewis & The Honeybears armonizan de maravilla vientos, percusión, guitarras y ese potentísimo bajo, a manos de las producciones de lider de los Spoon, Jim Eno. No es de extrañar que la casa de Nashville Lost Highway Records (filial de Universal, en la que se cuece lo mejor del country, el folk y el rock estadounidense) se fijara en ellos e hiciera de temas como "Booby Booshay", "Humping", "Master Sold My Baby" o "Big Booty Woman" una realidad de postín enmarcada bajo el nombre de Tell 'Em What Your Name Is!. Todo ello después de reventar festivales importantísimos como el Austin City Limits Music Festival. Por todo esto y mucho más, son nuestro disco de la semana.

Buddy Miles - Them Changes (Mercury, 1970)

Dicen que detrás de un gran hombre hay siempre una gran mujer (lo cual me parece un machistazo). De igual modo podría decirse que detrás de un gran artista hay muchos otros grandes artistas. Jimi Hendrix marcó toda una época con su rock, sus alucinaciones y su patriotismo crítico, pero nada de eso habría sido posible sin, entre otros muchos, el gran Buddy Miles, batería de la Band of Gypsys, el grupo de músicos que acompañara Hendrix en directo después de la disolución de The Jimi Hendrix Experience. Mucho podría decirse sobre su dilatadísima carrera como músico de directo (Isley Brothers, Wilson Picket, The Delfonics...) o como miembro de varias bandas (Electric Flag, The California Raisins...) En cambio, esta vez nos vamos a quedar con su carrera en solitario y, más concretamente, con Them Changes, su obra maestra particular y uno de los discos claves de la fusión del soul y el rock. En esta su tercera obra en solitario, Buddy Miles no sólo demuestra su poderío en la batería, como bien remarca el instrumental de tintes blueseros “Paul B. Allen, Omaha, Nebraska”, sino que hace alarde de unas capacidades vocales tremendas que no había explotado ni en su época Hendrix ni en su paso por el resto de proyectos. Como deja patente en “I Will Love You, Anyway”, su voz combina la elegancia del soul con el desgarro del rock. Pero también descubre Miles al público sus grandes habilidades al mando de las producciones en los estupendos "Them Changes" y "Heart’s Delight", dos grandes composiciones funk donde relucen, como a lo largo de todo el álbum, las líneas de The Memphis Horns, la sección de vientos del soul por excelencia y parte fundamental del sonido Stax. Greg Allman, líder de The Allman Brothers Band, se encarga de aportar los momentos más rockeros con el tema Dreams, uno de los más destacados de todo el álbum. Tras ésta empieza a sonar, sin preavisos, una genial versión intimista y ennegrecida de Down By The River, de Neil Young donde el oyente ya no sabe a qué atenerse. Your feeling is Mine, de Otis Redding es la otra versión con la que cuenta Them Changes, y con la que termina. En definitiva, he aquí un álbum indispensable para todos los que adoramos y babeamos con la brutal genialidad de los 60 y 70, de Sly & The Family Stone y de todo lo que huela Woodstock ’69.

Sugarush Beat Company (Sony BMG, 2008)

Cuando nos enterábamos hace ahora aproximadamente un año que Rahsaan Patterson estaba inmerso en un proyecto al margen de su carrera solista acompañado por una cantante danesa y un productor australiano, nuestra primera reacción fue la de sorpresa. Más adelante, cuando escuchábamos aquel "Oh Lord (Take Me Back)" en su último trabajo, Wines & Spirits, la sorpresa pasó a ser curiosidad y ahora que el álbum debut de SugaRush Beat Company acaba de ver la luz, podemos decir que Patterson, Jaz Rogers y Ida Corr pueden ir preparando sus mejores galas, porque el éxito está llamando a sus puertas. Una gran disparidad estilística se cuece en las producciones de Jaz, nombre que empieza a sonar con fuerza tras conocer que es él quien está detrás del primer elepé del británico Bryn Christopher y que además se está encargando del regreso de Lauryn Hill. Pop con tintes electro de raza europea en plena fusión con funk y soul-rock al que Rahsaan y Ida ponen voz, esta última en particular en las composiciones más cercanas al dance, terreno en el que ya tiene una amplia experiencia - algunos la conocerán por el rompepistas "Let Me Think About It" del dj y productor holandés Fedde Le Grand -. Son inevitables las comparaciones con los líderes del eclecticismo y la psicodelia, entre ellos Gnarls Barkley, Outkast o N.E.R.D. Y algunos son los que incluso encuentran en Sugarush Beat Company ecos de Sly & The Family Stone. Para los que esperábamos que Mr. Patterson no se saliera de su más que reconocible smooth soul, los temas que componen Sugarush Beat Company nos han dejado noqueados. Una onda fresca, eléctrica y upbeat reconocible en temas como "Gunshots 'n Candyfloss", "All Of A Suddenly", el ya mencionado "Oh Lord (Take Me Back)", el infeccioso "Sugarush" o "They Said, I Said", recorre nuestra espina dorsal obligándonos a menear las caderas sin descanso. La explosión multicultural que compone Sugarush ha dejado claro con esta, su primera puesta de largo, que aún tienen mucho camino por delante. Y nosotros así lo esperamos.

Las Inmortales: Santana - Soul Sacrifice (1969)

Da verguenza ajena ver en lo que algunos artistas se convierten por un puñado de dólares más y el caso de Carlos Santana es especialmente indignante. Ahora se dedica a sacar discos y discos con colaboraciones intranscedentes pero durante la primera mitad de los setenta, cuando lideraba la banda con su mismo apellido, Santana hacía una música maravillosa repleta de guiños africanos y cubanos además de multitud de referencias al R&B, al jazz, al blues y al rock. Casi 40 años han pasado desde que "Soul Sacrifice" se publicara en el primer trabajo homónimo de la banda en 1969 y sigue siendo un título de referencia en su discografía. En el vídeo que os mostramos podéis comparar, si no lo habéis hecho aún, lo que hacía antes el guitarrista con lo que hace ahora y caeréis en la cuenta de que aquello era música y lo de hoy, negocio. Algunos de los músicos que le acompañan son el batería Mike Schrieve, el bajista Mike Brown y el teclista Gregg Rollie. Una gozada verlos dejarse el alma así en el mítico Woodstock '69.

Prince - Sign O' The Times (Warner Bros, 1987)

En la década de los ochenta, y si nos ponemos categóricos, coexistieron dos figuras que revolucionaron la música pop. Uno fue Michel Jackson, con Quincy Jones al lado, y el otro, el príncipe de Minneapolis, Prince Roger Nelson que, a finales de los setenta debutaba con dos extraordinarios trabajos que llamaban la atención por encima de otros asuntos por la extraordinaria capacidad demostrada por este chaval que salía de la nada para crear, componer, arreglar y tocar (no nos olvidemos que toca más de 20 instrumentos) con una soltura increíble. Pero esto no fue nada si lo comparamos con lo que llegaría posteriormente pues, hasta llegar a la obra maestra que supone dentro de la música moderna "Sign O' The Times", Prince revolucionó el mundo del pop en varias ocasiones para, con una amalgama que asimilaba R&B, funk y rock para unirlo todo en uno, consagrarse como uno de los más grandes genios. "Dirty Mind" (1980), "1999" (1983), "Purple Rain" (1984) o "Parade" (1986) son ya clásicos de nuestro tiempo y paradas obligatorias en la línea histórica de la Black Music. Pero quedaba la guida y, para firmar una de las décadas más gloriosas que un artista jamás haya llevado a cabo, Prince publica en 1987 el mencionado "Sign O' The Times", primer álbum desde "1999" sin su banda The Revolution. Un doble disco con un sonido 100% principesco: ecléctico, sucio, funkarra, bizarro, psicodélico...en una palabra, genial. Con su habitual excentricismo y su forma de ver la música como un todo, el multinstrumentista logra aunar en una misma propuesta ecos del funk de George Clinton con momentos del soul más sedoso de Curtis Mayfield añadiendo grandes dosis de pasajes cercanos al paroxismo pop/rock y alguna pincelada gospel. Como siempre, el propio Prince lidera los créditos del álbum tocando varios instrumentos entre los que destaca esa poderosa y característica guitarra que puntea como le da la gana, pero también están presentes su habitual percusionista Sheila E. o los metales de Eric Leeds y Atlanta Bliss. De esta forma, esta gigantesca obra se convertiría en un álbum definitorio del sonido de finales de los ochenta. Es más, Prince en sí mismo puede ser considerado, sin ningún tipo de cortapisa, como EL sonido de los ochenta. Así que dejemos de lado excentricidades y tonterías varias y centrémonos en lo que de verdad nos interesa: la música de una de las personalidades más importantes del siglo XX. Un redefinidor nato del funk que, aunque en horas bajas, aun sigue prestando batalla y bien que nos alegramos.

Baby Huey - The Baby Huey Story: A Living Legend (Curtom, 1971)

Los 70 fueron una década convulsa. Las rupturas que los hippies plantearon en los 60 seguían flotando en el aire. La muerte de Jimi Hendrix y Janis Joplin acrecentó la leyenda que hablaba de sueños surrealistas, de melodías imposibles y de límites ilimitados. Por estos tiempos, Curtis Mayfield se distanciaba de The Impressions para poder sumarse a toda esta espiral de cambio, de derechos civiles y de la filosofía del por qué no. Mayfield creó su propia discográfica, Curtom Records, para decir lo que quería y de la forma en que quisiera mientras que The Impressions, también desde Curtom Records y bajo tutela de Curtis, siguieron su línea moderada. Pero Curtom Records también sirvió para dar salida a protegidos de Mayfield. Baby Huey fue uno de esos afortunados, aunque su vida fue un infortunio.

Su banda, The Babysitters, con Melvin Jones a los teclados y los vientos, y Johnny Ross a la guitarra lograron cierto reconocimiento local con un sonido fuertemente marcado por el soul sicodélico de Sly & The Family Stone, aunque Baby Huey, o James Ramey (su nombre de pila) aportaba un toque que posteriormente se ha comparado con los primeros años del rap.

En el año 1969 consiguen una audición para Curtom Recordas ante, nada más y nada menos que Donny Hathaway, que quedó impresionado, aunque sólo ofreció contrato a Baby Huey, sin incluir a la banda. En este año y el siguiente, este coloso (padecía una enfermedad tiroidea por la que pesaba más de 160 kg.) se volvió adicto a la heroína, falleciendo en octubre del 70 con tan sólo 26 años.

Por tanto, su único álbum, el que hoy os traigo, es un álbum póstumo que incluye varias composiciones de Mayfield, del propio Baby Huey y versiones ciertamente interesantes de “A Change Is Gonna Come y California Dreamin’”. Soul rockero, sicodélico y setentero de un nivel superior, con varios cortes instrumentales que sacan los colores. A pesar de que The Baby Huey Story: A Living Legend pasase desapercibido en sus inicios, hoy en día es considerado una pieza fundamental de su época y muy influyente en el desarrollo del hip-hop (muchos y muy alabados raperos han reutilizado sus melodías).

Sin duda, Baby Huey habría dado mucho, muchísimo que hablar si no se hubiera marchado tan pronto. No me tiemblan las teclas al escribir que su legado se habría situado a la altura de grandes como su propia fuente de inspiración, Sly & The Family Stone, o como su padrino, el señor Curtis Mayfield. Y si no lo entendéis, dejaos envolver por el desenfreno de su sonido.

George Clinton - And His Gangster Of Love (2008)

Una máxima de la Psicología argumenta que todo mortal padece, en mayor o menor medida, algún tipo de desequilibrio mental. Cualquiera que se acerque por primera vez a George Clinton podría pensar que este abuelo macarra concentra el desequilibrio de varias personas. Es el creador del P-Funk, amo y señor de Parliament/Funkadelic y alabado por mundos tan variopintos como el de la música electrónica o el metal. Con 67 años, el pasado septiembre soltó su última prenda: George Clinton And His Gangster of Love. ¿Qué has hecho ahora?

Por primera vez su heterogénea carrera, este multidisciplinar artista se lanza con un álbum de versiones. Versiones del soul y el R&B clásicos. Sí, sí, tan clásicos como temas de Ruby and the Romantics, Marvin Gaye, Johnny Ace, The Impressions... Pero, ¿versiones así plan fiel? No, hombre, no. ¡Que es George Clinton! Son versiones bizarras y p-funkeras que en un primer momento pueden echar para atrás. Pero digamos que el truco de Clinton es que conoce la forma de conectar con el desequilibrio mental del oyente, ese que todos tenemos, para revolvernos y hacernos pasar de la cara de “¿esto qué es?” a vernos bailando las excentricidades que Clinton consigue con la compañía de otros respetados rompedores. En esta historia se dan cita los Red Hot Chilli Peppers, Sly & The Family Stone, Carlos Santana, El DeBarge o Kim Burrell entre otros nombres menos sonados. Dejando fuera una versión de Fever a ritmo de reggaetón y después de unas escuchas, me parece un trabajo, cuanto menos, interesante y muy profundo en algunos puntos. Cada cual que haga lo que pueda con su locura.

Amos Lee - Last Days At The Lodge (Blue Note, 2008)

Sorpresas te da la vida. Algo así debió pensar Amos Lee el día que decidió plantar su batuta de maestro para emprender su propia carrera musical. No le resultó muy complicado; bastaron cinco temas de un EP autoproducido para que uno de los sellos emblemáticos de la historia del jazz como es Blue Note, hiciera de él su nueva estrella. No es de extrañar que la que por entonces era su figura más visible de cara al gran público, Norah Jones, se fijará en él y se convirtiera de forma indirecta en su madrina al participar en la grabación de varias canciones de su primer álbum y contar con él como telonero para su gira de 2004. Pocas cosas han cambiado desde entonces para el compositor americano; tres álbumes de estudio abalan una de las trayectorias más consecuentes de los últimos años, que ha llevado el folk hasta terrenos más negros de los habituales. Y en esa misma linea aunque con una aparente madurez instrumental y una contundencia que se echaba de menos en sus anteriores propuestas, nos llega Last Days At The Lodge, un elepé producido por Don Was que incluso sorprende a los que ya veíamos en Lee todas las cualidades de los músicos de renombre que han pasado por las manos del mítico arreglista, desde los Rolling hasta Bob Dylan, desde George Clinton a B. B. King. No me malinterpreten, aún queda mucho camino por recorrer y mucho por demostrar pero basta escuchar "Listen", magnífico primer single, para reconocer la pasta de la que está hecho este joven de Philadelphia con aspecto de bohemio universitario. Todos y cada uno de los once cortes de este tercer largo nos dejan con ese regusto sureño, ambientado con percusiones de nivel, brillantes melodías de guitarra acústica y una voz con una cantidad de matices asombrosa. Sin duda, estos "últimos días en el refugio" son una referencia que no puede dejar pasar.

Kelis - The hits (2008)

Lo último de Kelis Rogers nos llega en forma de recopilatorio. Sin novedad alguna en el frente, "The Hits" repasa cerca de una década de éxitos y desencantos en lo que parece el último intento de Jive Records por rentabilizar el material de la artista americana, tras su cesión contractual con la compañía por las escasas ventas de su anterior propuesta: "Kelis was Here". No solo escontraremos sus principales sencillos en solitario, entre los que destacan lindezas como "Trick me", "Lil' star" junto a Cee-lo Green, aquel "Millonaire" que produjera Andre 3000 o "Good stuff" (de su primera época); el paquete se completa, y esto sí es novedad en un álbum de estas características, con colaboraciones que la vocalista hiciera para terceros (el "I Got your money" del fallecido Ol' Dirty Bastard, "Truth or dare" de los N.E.R.D o "Finest Dreams" del productor Richard X). Para nada se echan de menos excentricidades como ese "Blinfold me" en el que hasta el talento de Nas brilla por su ausencia. Solo para incondicionales de la artista que más ha extremizado el r&b en los últimos años.

Prince - Planet Earth (2007)

Si la trasgresión tuviera nombre propio, ese sería, sin duda alguna, Prince. Innumerables han sido a lo largo de los años las diferencias entre el artista y sellos discográficos como Warner, que incluso llegara a boicotearle a lo largo de los noventa, por controlar la carrera y, por supuesto las ganancias, del de Mineápolis. De ahí que hasta la escisión de su contrato con dicha compañía, Prince abandonara como tal su nombre artístico para darse a conocer con un símbolo, fusión de lo masculino y lo femenino, manteniendo así su afición por la ambigüedad y evitando la "prostitución" de su material por parte de la compañía. En este caso, los problemas van más allá y "Planet Earth", su último álbum de estudio, se ha distribuido en el Reino Unido de manera gratuita y exclusiva con el rotativo "Mail on Sunday", alcanzando la nada desdeñable cantidad de tres millones de copias despachadas de la publicación y, por tanto, de este nuevo trabajo. De esta forma, les decía, Prince ha vuelto a transgedir los límites que marca la industria y ha hecho historia en lo que a distribución discográfica se refiere.

Ya centrados en el ámbito musical, comprobamos con satisfacción que, a pesar de su constante evolución estilística, Prince regresa por la puerta grande a sus orígenes, dando forma a un álbum muy influenciado por el rock, al más puro estilo "Purple rain", sintetizadores y guitarra eléctrica dominando gran parte de los temas del elepé. Ahora bien, no solo de rock vive el hombre, y tras el flagrante empuje de "Planet Earth", tema que da título al álbum y en el que destaca una preciosa melodía de piano, así como el primer sencillo, "Guitar", brillante de principio a fin, nos encontramos con una serie de influencias que no escapan al jazz, el soul o el funk.

"Somewhere here on Earth" nos envolverá en una atmósfera del más cálido soul con tintes jazz que haya creado "el príncipe" en los últimos tiempos; "The one u wanna c", o como hacer un tema de estética positivista sin dejar la genialidad en un segundo plano, toma de nuevo el camino rockero, echando mano de elementos country; mientras que en "Future baby mama" nos complace con su mejor falsetto o en "Mr. Goodnight" se atreve con el fraseo, trasladándonos a la vieja escuela con una maravillosa muestra soul de influencias hip-hop. Con "All the midnigths in the world" llegamos a la única composición apenas imprescindible del repertorio que, a su vez, dará paso a la maravillosa "Chelsea Rodgers", dejando que el funk fluya, no ya por tu oídos, sino por tus venas, con la ayuda del saxofonista Maceo Parker, quien ya colaborara con el príncipe de Mineápolis en su anterior trabajo, "3121". En la recta final, "Lion of Judah" y "Revelation" serán las encargadas de cerrar la breve pero intensa colección de canciones, de la misma forma que comenzara, a fuerza de rock.

Con todo, "Planet earth" es un trabajo que sabe a muy poco debido a la limitación de repertorio, pero reafirma al genial Prince como una de las estrellas indispensables de la historia del género negro. Todo ello por el módico precio de un periódico, ¿Qué más se puede pedir? Para los más exigentes, la versión íntegra del CD (carátulas y caja incluidas) se pondrá a la venta en los próximos días vía Columbia Records en todo el territorio mundial.