Candelaria - Candelaria (2008)

Es curioso como en nuestro país las propuestas con mayor calidad siempre acaban pasando a un discretísimo segundo plano. Es por ello que los medios especializados tenemos la obligación moral (y, por supuesto, el placer) de arrojar un poco de luz ante tanta oscuridad. En esta ocasión lo hacemos encantadísimos con Candelaria, una de las bandas de jazz con mayor recorrido y solera de cuantas se mueven dentro de nuestras fronteras. Con su disco debut homónimo, a la venta desde el pasado mes de Septiembre, la formación madrileña demuestra lo inclasificable de su propuesta con un contundente ejercicio de free-jazz en el que las influencias del rock, el funk, la sonoridad latina o diferentes manifestaciones étnicas de varias partes del planeta (ritmos celtas, hindúes o africanos) se dan cita para despejar cualquier duda de encontrarnos ante uno de los mejores trabajos publicados en España en lo que va de año. Con el grueso de los componentes del mítico grupo de fusión El Bicho como aval de este proyecto y con las colaboraciones de grandes figuras del jazz patrio como el armonicista Antonio Serrano - que pondrá su instrumento al servicio de "Aguaespejo" - o Jorge Pardo, cuya flauta y saxo son reconocidos como pilares indiscutibles del flamenco-jazz - participa en "Billy el cojo" -, Candelaria se regocija en la ambientación que sus siete miembros imprimen al conjunto. Percusiones de lujo, secciones de viento redondas, muy buenas melodías de hammond y rhodes y lineas de bajo cortantes son básicamente lo que encontraremos al acercarnos al sonido Candelaria. Por lo pronto, han sido elegidos nuevo taleto FNAC y se encuentran de gira por la geografía española, dando a conocer, a quien esté dispuesto a escuchar, parte de una escena que cada vez gana más adeptos en nuestra tierra. Aún no está todo perdido. Si quieres escuchar el disco, pásate por su web oficial:

www.candelarialibre.com

Javier Limón - Son de Limón (2008) [Disco Recomendado BSH]

Después de darse a conocer al mundo entero con "Lagrimas Negras" de Bebo Valdés y Diego "El Cigala", emocionarnos con las "Cositas buenas" de Paco de Lucía y preparar el reencuentro del público con una estupendísima Concha Buika a ritmo de copla (entre otras muchas perlas en la discografía del productor andaluz), Javier Limón regresa al punto de mira con su segundo proyecto propio. "Son De Limón" es un álbum conceptual, donde se funde el flamenco, los ritmos caribeños y el jazz, todo ello gracias a la que probablemente sea la mejor formación instrumental del momento en España. Los chicos de la Casa Limón lucen de maravilla en percusiones de influencia cubana, guitarra española, piano o magníficas secciones de viento y, acompañados por unos invitados de lujo (no podía faltar su musa Buika al frente de esas "Habanerías"), cierran uno de los mejores trabajos de fusión no solo del presente año sino de toda la década. Y es que la batuta de Javier Limón aporta a cada una de sus composiciones ese sonido orgánico, en ocasiones profundo y nostálgico y casi siempre vivaz, que además del pellizco flamenco tiene toda la dulzura de lo cubano. Momentos que quedan ya en nuestro recuerdo como la bulería "De madruygá", "A la orilla del alma" y "Contraviento" como perfectos ejemplos del encuentro entre dos continentes bien distintos, la elegancia jazzy de "Travesía" o una acertadísima representación del bolero en "Consuelo y Candela". Un álbum sobresaliente y, por supuesto, imprescindible, de uno de los últimos genios de la música hispana.

Las niñas - Ojú y Savia Negra

¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? Así rezaba el título del largometraje español de Manuel Gómez Pereira. Trasladar esa pregunta a la formación andaluza Las niñas es tarea sencilla, ¿Por qué lo llaman r&b andaluz cuando quieren decir jazz-fusión? Y es que así se definen este trio deslenguado y explicitamente sexual como pocos, r&b llevado al terreno del flamenco; nada más lejos de la realidad. Cuando en 2003 "Ojú" llenaba de crítica mordaz las principales emisoras de radio del país, la opinión pública se volcaba ante tal fenómeno musical. En una época de tensión social para España, Las niñas se atrevieron a contradecir la política imperialista estadounidense, que por entonces veía en nuestro país un importante filón, y la situación vivida en Argentina con "El corralito", lo que basto al principal medio televisivo público para censurar no solo el ya exitoso "Ojú", sino las apariciones de la banda en cualquier programa de la cadena. De ahí al estrellato. En los meses siguientes, Las niñas vieron crecer la expectación hacia su álbum debut y las ventas se dispararon. Mientras tanto ellas, a lo suyo, que es cantar, y proclamar a los cuatro vientos su origen humilde, "Niñas de barrio somos, ¿Como?, sí, que somos de barrio...".

La historia de la banda se remonta a la época en que Vicky G. Luna y Aurora Power trabajaban como coristas de la formación underground sevillana O'Funkillo. Ambas se unieron, poco después, a la cantante Alba Molina, para dar forma al proyecto Las niñas, con la producción del exmarido de esta última, el guitarrista Charly Cepeda y el compañero sentimental de Aurora, Andreas Lutz. Así nacería "Ojú", un compendio de melodías jazz, ritmos funk muy suaves, bases hip-hop, o percusión flamenca.

"Ojú" es un trabajo repleto de reivindicaciones femeninas, alejadas de los tópicos feministas, que exige el posicionamiento social igualitario para la mujer en la sociedad desde el trabajo duro y la reflexión. Todo ello unido a un juego de voces de muy distintos matices; mientras que Vicky procedía del ámbito acid-jazz y soul, su compañera Aurora del hip-hop y jazz y Alba del flamenco. Las niñas se convierten así en una de las formaciones punteras (en lo que a ventas se refiere) de la fusión española. De este trabajo destacan canciones como la irreverente "Ojú", "El mundo a mis pies", por la fusión de la samba y el hip-hop, "Quiereme a mi na' ma" con arreglos jazzísticos o "Menos ropa", cercano al funk. Ni mucho menos un álbum redondo, pero sí muy comprometido con la instrumentación. Una nueva era había llegado.

Tres años después Las niñas regresan con energías renovadas y un nuevo motivo de crítica, con "Savia negra" (como denominan al petróleo) hacen referencia explícita a la problemática del medio ambiente, en lo que supone la presentación de su nuevo trabajo de estudio. Inexplicablemente, la opinión pública no recibe este trabajo con los honores que merece y "Savia negra" pasa bastante desapercibido por la lista de ventas española a pesar de la intensa promoción en que el trío se embarca durante semanas.

"Savia negra" incide de manera sistemática en la instrumentación, conformando un sonido más ecléctico y variopinto, basado sobre todo, en el ámbito jazz-fusión, ahora supeditado al flamenco, la bossa, el soul, el r&b o el reggae, partiendo de un concepto muy latino del que tiene buena culpa el "duende" andaluz de las tres componentes. Andreas Lutz y Charlie Cepeda vuelven a derrochar talento en composiciones como "Si tu ya no me quieres" (segundo y último sencillo extraido de este album), "Dejame volar", el orgasmo rockero, orgánico y sexual de "Superstar", "Llueve" o "Cada vez", ambas a un nivel instrumental asombroso. Claro está, dando ese toque pícaro y canalla que siempre les acompaña, y que observaremos claramente en la sevillana corralera "La liebre", con invitados de excepción, Los Delinqüentes. Un álbum brillante de principio a fin que demuestra que, a pesar de su inicio mediático, Las niñas tienen arte a espuertas y están a la cabeza nacional en lo que artistas de calidad se refiere.

Actualmente se encuentran en un periodo de descanso de su trabajo como banda, para dedicarse a sus menesteres individuales y poder digerir los cuatro intensos años que han vivido. Vicky G. Luna y Alba Molina acaban de cerrar una gira de conciertos, cuya pretensión era la de dar a conocer su trabajo de fusión del jazz con el flamenco. Parece, y así lo espero, que tenemos "Niñas" para rato...

Nuyorican soul - The remixes (1998)

Si en 1997 veía la luz "Nuyorican soul", obra maestra de la formación Masters at Work y uno de los trabajos más comprometidos y ovacionados del terreno acid-jazz, un año después, el sello japonés Cutting Edge dió luz verde a una recopilación con remezclas de los mejores temas del álbum original, algo más distendida en cuanto a estilismo que este y que experimentaba, como no había ocurrido en la anterior propuesta, con el hip-hop, el house, break-beat o la psicodelia.

Como curiosidad, se incluyen temas en castellano, que hacen uso notable de guitarra española como directriz melódica. La joya de este recopilatorio, una vez más, "I am the black gold of the sun", materializado por la vocalista Jocelyn Brown y, en el caso del corte que abre este disco, con la colaboración estelar del rapero Q-Tip.

Angelique Kidjo - Djin Djin (2007)

Angelique Kidjo es la viva imagen de la globalización, del multiculturalismo y la fusión estilística. Con un currículum de infarto, que pasa por la publicación de más de una decena de trabajos, esta africana nacida en Benín, parisina de adopción y residente en Nueva York, pone en nuestras manos (o más bien en nuestros oídos) un álbum cargado de espiritual tradicionalismo, que nos traslada casi sin darnos cuenta a enclaves, tan místicos como remotos, del viejo continente africano. Todo ello aderezado con una suave producción, elitista donde las haya, que toma como eje central el soul - si bien sus influencias beben de Jimi Hendrix, Aretha Franklin, Carlos Santana, Miriam Makeba o el magnánime James Brown - formulando una suerte de fusión entre diversos conceptos y estilos como el jazz, lo latino, el raggae, la rumba congolesa o el gospel. Un "coctail" de un virtuosismo asombroso, repleto de humildad y amor por la música.

La cuatro veces nominada a los importantes premios Grammy, por mejor video musical en 1995 y mejor album de "músicas del mundo" en 1999, 2003 y 2005 respectivamente, no tuvo un comienzo sencillo. Enfrentándose a prejuicios sociales establecidos en su país, se convirtió en una de las primeras mujeres dedicadas al mundo del espectáculo, lo que le terminó obligando a abandonar su tierra natal para establecer su centro de operaciones en la capital francesa. Desde allí comenzó su participación en diversas formaciones relacionadas directamente con el jazz, lo que acabó culminando en la creación de su propia banda. Por entonces, Kidjo era quizás una de las artistas más populares de todo París.

De su andadura africana, y posterior encumbramiento en el continente europeo, Angelique deja muestras en un legado digno de mención, que incluye los elepés "Pretty", "Ayé", "Oremí", "Black Ivory Soul" u "Oyayá!", por destacar algún que otro trabajo. Domina a la perfección distintas lenguas, desde el yoruba o el fon, pasando por el francés y el inglés, lo que le ha permitido expresarse de muy diversas formas a lo largo de su trayectoria, dado que cada idioma comprende un registro vocal completamente distinto; una muestra más de una adaptabilidad al entorno musical propia de los grandes genios.

"Djin Djin" supone un nuevo acercamiento al sonido tradicional africano, después de la notable experimentación con el funk, r&b o trip-hop del álbum "Oremí". Para ello no duda en codearse con lo más granado de la industria norteamericana; colaboraciones de lujo como Alicia Keys, Santana, Joss Stone, Josh Groban, Ziggy Marley o Peter Gabriel abandonan su registro habitual para dotar a la última creación de Kidjo de un aura, si cabe, aún más impactante. Composiciones que parten del latin-jazz/afropop de "Ae Ae", el soul "étnico" de "Djin Djin" o el latin-funk (por utilizar un término que describa tal conglomerado musical) de "Gimme Shelter", para terminar ahondando en la rica herencia cultural de África en fusión con circuitos tan dispares como el jazz ("Papa"), la música árabe e hindú ("Senamou"), el folk ("Salala"), la influencia jamaicana ("Awan N'la", "Sedjedo") así como ligeros matices de un maravilloso rock acústico conceptualmente cercano al gospel ("Pearls"). El broche final, y en este caso de oro, lo pone su particular revisión del famoso "Bolero de Ravel", una delicia brillante a la par que arriesgada que Angelique Kidjo solventa con extrema facilidad. Todo ello cierra un álbum imposible de etiquetar que todo el mundo debería escuchar, al menos, una vez en su vida.

Dwayne Smith “This is me” (2005)

Es increíble la cantidad de joyas que nos podemos llegar a perder por el mero hecho de que tengan menos repercusión mediática. Este This is me es un claro ejemplo de ello. Publicado en 2005, significa el sólido debut en solitario del bajista y productor Dwayne “Smitty” Smith.

Tras haber colaborado en discos de grandes de la fusión y del soul en los últimos años como Kirk Whalum, Everette Harp, Paul Brown, Howard Hewett o Jeffrey Osborne y llegar incluso a salir de gira con Anita Baker, este excelente artista nos sorprende con un trabajo repleto de buen Jazz/Funk instrumental. Su bajo restalla con fuerza durante todo el metraje del disco poniéndose de manifiesto enseguida sus particulares dioses en esto del bajo eléctrico; Marcus Miller, Jaco Pastorius, Larry Graham o Stanley Clarke son algunos de los que van desfilando por las cuatro cuerdas de Smitty a lo largo de todo el álbum, desembocando así en unos sonidos sedosos llenos de glamour y elegancia, en parte originados también por los grandes músicos que le acompañan en el estudio, entre ellos el saxofonista Gerald Albright, el vocalista Will Downing, el guitarrista Dwight Sills o el teclista Jeff Lorber.

Los medios tiempos con sabor a Funk son los protagonistas absolutos de este This is me, dando lugar a grandes momentos desarrollados en temas del estilo de “Funky G”, "Just a taste” o de la versión groove de “Palladium”, canción original del legendario Wayne Shorter. Mención aparte se merece la revisión del clásico compuesto por Stevie Wonder e interpretado por Michael Jackson “I can help it”, que aquí toca nuestro protagonista acompañado de unos coros maravillosos que vienen por parte del gran Will Downing y “YLKMS (Your Love Keeps Me Strong)” cantado a la perfección por el vocalista Tim Kepler que borda su interpretación en una demostración soberbia de lo que es elegancia.

Un disco que no por menos conocido, es de menor calidad. Más bien al contrario, pues irradia tanta fuerza como saber hacer y esto le permite no caer en algo en lo que caen en muchas ocasiones algunos miembros del movimiento denominado smooth jazz, es decir, que su música parezca más una música de fondo de sala de espera, que verdadera fusión entre soul, funk y jazz. Disco notable para un estupendo músico que, de momento, permanece injustamente en las sombras del anonimato.