Kelly Rowland Discography

Si echamos la vista atrás en la carrera de Kelly Rowland lo primero que observamos es la consecución de un sueño; a mediados de los noventa despegaba la formación Destiny's Child y lo hacía por todo lo alto. Sin embargo Kelly, al igual que el resto de las componentes, han tenido que aceptar el hecho de estar supeditada al arranque mediático de la lider absoluta, por obra y gracia de su padre y manager, Beyonce Knowles. De ahí que en 2002 el proyecto en solitario de Rowland se distanciara notablemente del sonido que les encumbrara como la banda femenina más vendedora de la historia. Llamémoslo evolución o "como seguir siendo una Destiny's Child sin parecerlo". "Simply deep" llegaba avalado por la reivindicación social de "Stole" así como el tándem formado con el rapero Nelly en "Dillema", número uno en medio mundo.

Ciertamente "Simply deep" cumplió su reto, dotar de un estilo cercano al soul acústico con ciertos arreglos funk a Kelly quien, partiendo de una base pop sin estridencias, hace gala de un registro dulce y sensual acorde con temas como "Haven't told you", "Obsession", "No coincidence" - ambas, soul-funk edulcorado -, o su particular tributo a "A house is not a home", tema que ya fuera versionado por Luther Vandross y que Kelly redenomina como "Everytime you walk out that door".

"Miss Kelly", segundo álbum de la vocalista, estaba previsto para el mes de Junio del pasado año, aunque una vez más condicionado por la carrera en solitario de Beyoncé, sufre retrasos periódicos que Rowland aprovecha para rehacer lo que ella considera un repertorio con demasiados medios tiempos y baladas. De ahí que la lista inicial de productores, Rich Harrison, Rockwilder, Patrick "J. Que" Smith, Soulshock & Karlin y Tank, se engrose con la aparición de Scott Storch, Billy Mann y los insufribles Sean Garrett y Polow Da Don, encargados de dar forma al sencillo de presentación, "Like this", con la rapera Eve como acompañamiento. De esta forma "Miss Kelly" pasa de ser un álbum con grandes posibilidades a una nueva cesión ante las tendencias imperantes del mercado discográfico, alejadas de lo que pudiera considerarse un r&b de cierta calidad.

No será hasta el ecuador del álbum, tras una serie de temas más que prescindibles - con la sensual excepción de "Ghetto" que, producida por Tank, incluye versos de Snoop Dogg -, cuando "Miss Kelly" tome cierto cariz de seriedad y nos deleite con una serie de canciones en la linea de su anterior trabajo, un pop-soul acústico, en esta ocasión más cercano al r&b. Si cabe destacar algún tema, curiosamente sería el "Interludio" que dará paso a "Still in love with my ex", ya conocida por los seguidores de la artista, "Love" o la composición de Billy Man, "This is love", encargada de cerrar (aunque incluya con posterioridad el que fuera promocionado en 2006 como primer single, "Gotsta go") un álbum de escasa calidad global y pocos resquicios de brillantez, que para nada hace justicia a la voz sosegada y armónica de Kelly Rowland.

Amel Larrieux Discography (1995 - 2007)

La neoyorquina Amel Larrieux comienza su andadura en la música allá por el año 1995, al amparo del, por entonces, regreso triunfal del soul a manos de D'angelo y su "Brown Sugar". Una artista difícilmente etiquetable, por ser acreedora de un estilo ecléctico y elegante, regalo de una rica herencia cultural que tiene su fuente tanto en el continente africano como en la vieja Europa. Amel se identifica por su inconfundible vagaje soul con influencias del folk, del jazz, r&b o gospel, fundido con un etnicismo procedente de remotos y místicos enclaves como La India. Larrieux plantea una vuelta de tuerca al titánico soul de estas dos últimas décadas, fusionando desde la espiritualidad de Erykah Badú y el citado D'angelo hasta el positivismo acústico (o la acústica positivista) de India Arie, haciendo escala en la elegancia de Anthony Hamilton o la poética de Jill Scott. Eso sí, tomando la nada por el todo, pues conforma una época anterior a algunos de los artistas previamente reseñados. Podría adjudicársele la medalla de ser una pionera en cuanto a sincretismo musical se refiere. Aunque para entender en qué consiste realmente ese combinado de grandioso nivel, resulta muy necesario hacer hincapié en todas y cada una de sus obras.

Nos situamos en la recién estrenada década de los noventa. Amel Larrieux conoce al rapero y productor Bryce Wilson a través de un amigo común. Juntos descubren una afinidad musical anclada en el rythm&blues y deciden dar forma a un proyecto que aglutine la capacidad creativa de Bryce al mando de la producción y la avidez de Amel por poner voz a un incipiente mercado r&b que, por aquel entonces, vivía una época de esplendor absoluto, cualitativa y comercialmente hablando, bajo el legado de nombres como Brandy, Tony Braxton o R. Kelly. El nacimiento de la formación "Groove Theory" ya era un hecho y en 1995 vería la luz un disco homónimo bajo el sello Epic Records. El debut discográfico de Groove Theory es un inquietante viaje por la profundidades del "New Jack Soul", con una contundencia rítmica y una comunicación emocional a la altura de los grandes del género, por momentos cercana al sonido del hip-hop de la vieja escuela. Junto a una producción cadenciosa, programada e instrumental al cincuenta por ciento, encontramos la guinda del pastel, la técnica vocal aireada, extremadamente dulce, de una Amel en estado de gracia, que desempeña su papel de trobadora del sentimiento a la perfección.

"10 minutes high" se estrena como una vibrante creación melódica de aspecto soul e instrumentación jazzística, en un álbum colmado de sintetizadores, lineas de bajo y percusión sincrónica; elegancia a la antigua usanza. "Time flies", "Come home" y su sensorial refuerzo funk, la irreverente y éxitosa "Tell me", el medio tiempo de corte jazz "Hello it's me" o "Good 2 me" al frente de la escisión más urbana, conforman un repertorio indispensable para todo melancólico, convencido de que cualquier tiempo pasado fue mejor.

En 1999 Amel abandonaría la formación Groove Theory para emprender una de las carreras en solitario más consistentes y, sin embargo, infravaloradas, de los últimos años. Como punto de partida, coproduce junto a su marido, Laru Larrieux, "Infinite possibilities" (Epic Records, 2000), un trabajo minimalista y orgánico al extremo, donde la instrumentación jazz cobra vital importancia y que será el precursor de ese eclecticismo que ha acompañado, a lo largo de su carrera, a esta neoyorquina de pro. Si bien es cierto que infinitas, son demasiadas posibilidades, sí encontraremos en este disco una mayor confluencia estilística, que hace hincapié en terrenos como el acid-jazz, el etnicismo africano contemporáneo o el hip-hop clásico.

Temas como "Get up" o "Infinites possibilities" formalizan de nuevo la unión del jazz con las tendencias soul actuales, aportando un colorismo instrumental que dejará una impronta importante en la historia del género. En otra onda encontramos "Sweet misery" y "Searching for my soul", cortes en que el soul se eleva a la categoría divina y deja ver una vez más la grandiosidad vocal de una Amel que rebosa espontaneidad y frescura por los cuatro costados. No faltaran referencias al gospel o el blues ( "Even if") o a menesteres de la era moderna como el trip-house ("Shine", "Down") en un debut apasionante adaptado a los paladares más sibaritas.

El siguiente paso en su carrera tendrá lugar cuatro años después. "Bravebird" (Epic Records, 2004) supondría el regreso de una de las voces imprescindibles del nuevo soul y el último proyecto de Larrieux para una multinacional. En "Bravebird" se aprecia cierta condescendencia para/con la "popularización" del sonido de la vocalista. De esta forma, no solo se limita en parte su constante expansión sino que, y esto no implica de una forma clara reducción en calidad, se genera un proyecto acorde con la estética del momento.

La música de Amel pierde algo de cuerpo, fuerza y sentimiento para dar paso a un factor alternativo más evidente que incluye, en algunos casos, composiciones electrónicas adaptadas a la pista de baile, con presencia acústica en los restantes; pop, rock o folk en los menos. Por el contrario, su voz se engrandece, mostrando por momentos una técnica susurrante, mientras que una amplia variedad de registros fluirán con una potencia asombrosa hasta alcanzar las ocho octavas. Destacarán "For real", "All I got" - con fuerte presencia de melodías hindúes - "Beyond" o "Sacred" en esa citada escisión acústica, "We can be new", quizá el tema más potente y de influencia soul de todo el repertorio, así como el preciosismo melódico de "Congo". Un disco a la altura de las circunstancias.

El pasado año vió la luz el tercer trabajo en solitario de Amel Larrieux, primero con la independiente Blisslife. "Morning" nos muestra una Amel que invita al intimismo, más melosa que en anteriores entregas, en una colección de canciones dispuestas a describir los entresijos de las relaciones sociales y amorosas, desde la óptica de una mujer mucho más madura con respecto a sus inicios. Se mantendrán resquicios del sonido acústico desarrollado en "Bravebird" aunque el jazz se abrirá camino de forma notable.

Un nuevo ciclo estilístico, más positivista, se inicia con temas como "Trouble", "Just once" o "Weary", primer y único sencillo extraído de este álbum, y se mantendrá de manera regular durante todo el álbum, aunque Amel no dude en echar mano de su ya típico sonido orgánico, consiguiendo reinventarse y hacer partícipe a este "Morning" de su capacidad innata para sorprender a propios y extraños. "Unanswered question", "Earn my affections", "Gills and tails" y "Mountains of when" impondrán esa contundencia que los seguidores de la artista vieron mermada en su anterior trabajo, al tiempo que "No one else" marca una nota discordante en el conjunto, al dar vida a un precioso tema con piano como único acompañamiento melódico. Auténtico terciopelo para los oídos, en uno de los mejores discos publicados en 2006.

Ya en 2007 y con semejante trayectoria a sus espaldas y una vez más en compañía de Leru Larrieux, Amel se desmarca con un elepé basado en el jazz estándar, "Lovely Standards", desarrollando una concepción del género que desdibuja la frialdad de las composiciones contemporáneas, para dotarlas de una apabullante dulzura; dulzura, por otra parte, que sorprende poco en la voz de Larrieux pero que sí lo hace ante clásicos como el sencillo de presentación, "If I were a bell", inmortalizado en la trompeta de Miles Davis, el "Wild is the wind" que en su día elevara a la categoría de estándar Nina Simone, "Something wonderful" o "If I loved you", ambas compuestas por Richard Rodgers para diferentes musicales.

Un disco que infunde una sensación muy grata, pero deja rescoldos de lo que pudo ser y no fue. Por un lado nos brinda la oportunidad de disfrutar de un nuevo registro en la voz de la polifacética artista - por momentos comparado al de la gran Ella Fitzgerald -. Por otro, es tal la edulcoración con que Larrieux se desenvuelve que cabe la posibilidad de incitar al desánimo. "Lovely standards" está concebido para dar rienda suelta a los sentidos, siempre que se escuche con la misma parsimonia que Amel lo canta.

Joy Denalane, alma europea

Mamani (2002)

Hija de padre sudafricano y madre alemana, Joy Denalane nacio en 1973 en Berlín. En 1999, tras varios devaneos dentro del mundo musical y la participación en distintos proyectos y formaciones, la mayoría de ellos ligados al reggae y el soul, conoció a la banda de hip-hop Freundeskreis, del que su marido y productor, Max Herre, es la principal voz. Un productivo encuentro, que daría lugar a un sencillo de éxito y una gira de conciertos que se prolongó durante dos años. Inmediatamente después fichó por "Four music" y empezó a trabajar en su disco debut, "Mamani" (madre), bajo la supervisión de Herre.

Es un trabajo muy centrado en el soul en el que se incorporan elementos del jazz con el que recurre incluso a cierta estética folk africana. Un disco muy arriesgado en los tiempos que corren y dado el estilo de música que impera en Europa. No solo se atreve a llevar a cabo un intensísimo ejercicio musical de referentes negros por y para europeos sino que lo hace con el alemán como idioma principal, lo que limita aún más sus posibilidades comerciales y nos muestra un album sin precedentes conceptuales en este continente.

Ahora que tanto se utiliza el término comercial, "Joy Denalane" destaca como una artista íntegra, en el más amplio significado de la palabra, fiel a un estilo y unos patrones musicales adquiridos por convicción cultural, no por simple interacción con modas pasajeras. Y de ahí, al reconocimiento, un solo paso; del debut de Denalane se extrajeron hasta un total de seis sencillos, entre ellos, el tema "I'm ghetto von Soweto", un canto (o una advertencia, según se mire) a la sociedad.

Born & Raised (2006)

A principios de 2006 Joy y Max fundan su propio sello discográfico, "Nesola Records", paralelo al desarrollo de su segundo álbum de estudio. Se grabará integramente en Philadelphia, dando lugar a su primer disco en inglés. Dada la buena reputación de esta cantante en el circuito "underground" (ya había colaborado con Common para su presentación con el single "Go!" en Alemania) no faltarán colaboraciones como las del rapero Lupe Fiasco o el vocalista de soul Governor.

"Born & raised" es un álbum que explora de nuevo el estilo intimista de Denalane, pasándolo por el filtro de la "americanización", con todo lo que ello conlleva. En primer lugar, una clara mejora de las condiciones de producción, grabación y masterización (aunque nos pese a los europeos), además de una clara influencia del sonido que se desarrolla actualmente en EEUU, lo que le separa de la estética jazzy de su primer álbum.

"Born & raised" ha supuesto su mejor entrada en la lista alemana de ventas en lo que lleva de carrera, a pesar del discreto éxito de su primer single, "Let go", con el que recuerda mucho a las últimas composiciones de Brandy. Actualmente ultima los detalles de su tercer single "Sometimes love". Nunca es tarde si la dicha es buena. Algo está claro, este disco es uno de los mejores del pasado año y, sin duda, de los mejores largos de nu-soul publicado en Europa.

James Brown - Dynamite X & Discography

"Dynamite X" es la primera recopilación/álbum a título póstumo que se edita del padrino del soul, del que nos quedan éxitos tan destacados como "Sex machine" o "Call me superbad". Para este trabajo se han reunido parte de los mejores productores, músicos y dj's a nivel mundial, lo que imprime a cada tema una sonoridad única, ligada al funk pero con influencia de las nuevas tendencias disco o electrobeat; tal vez porque cada uno de ellos suponga un particular homenaje a Mr. Dynamite o la exclusiva visión del arte de uno de los genios de la música moderna, visto desde una óptica un tanto psicodélica y excéntrica. Escuchar este disco será un placer siempre que se tenga presente que puede ser un sincero homenaje y no una simple estratagema para hacer de su muerte un negocio rentable... ya se sabe, "money makes the world go round...".

Naturally 7: Sit back, relax your mind...

La voz humana es el instrumento musical más primitivo y a su vez el más completo de todos. Formaciones vocales como Naturally 7 dan buena fe de ello; por su, cuanto menos, curiosa habilidad para reproducir con la voz el sonido de cualquier instrumento (véase también el caso de Raúl Midón) se han ganado el apelativo "la banda sin banda". Resulta prácticamente imposible de creer la ausencia de cualquier tipo de sintetizador, teclado o instrumentación clásica en sus grabaciones, aunque todo resquicio de duda se vea solventado en el directo.

Non-fiction (2000)

En 2000 vió la luz su primer disco de estudio, Non-fiction, sencilla proclama que viene a refutar su estatus de agrupación vocal sin más instrumento que sus propias voces. Es un álbum basado en la armonía, muy cercano al gospel y que toma este como elemento conductor. Sin embargo, no faltan los guiños soul, sonido r&b o incluso bases y composiciones hip-hop.

Intercalados (tal vez fusionados) entre temas que cumplen perfectamente las premisas de los llamados "estándares" (en este caso del gospel) destacan cortes como "Sit back relax", tema que recuerda a los primeros apuntes del movimiento nu-soul, "Born to workship" o "Have I ever told you", una composición puramente r&b, etiquetable (por utilizar algún término) dentro del sonido de los noventa. Aunque son solo unos pocos los ejemplos que encontraremos de temas up-tempo en Non-fiction, donde la tónica general son las composiciones melódicas y relajadas, dispuestas para el disfrute más espiritual y sosegado.

Solamente se puso a la venta en EEUU, lamentablemente, con escaso éxito de ventas. Es evidente que un producto, sea o no comercial, requiere cierta publicidad y, en este caso, la única promoción con la que la banda contó fueron ellos mismos y su potente directo.

What it is (2003)

Tras la incursión americana, la presentación oficial en Europa vino de la mano de Sarah Connor, exitosa cantante alemana con la que, tras una primera actuación en Berlín, publicaron el sencillo "Music is the key" en el año 2003, del que se llegaron a vender más de doscientasmil copias y que les llevó a la fama en el país germano, precedidos por alguna actuación televisiva y una minigira de conciertos.

Inmediatamente después llegó "What it is", un disco claramente influenciado por el r&b, a diferencia del anterior, más centrado en el gospel; este cambio puede apreciarse desde el primer corte, que dará nombre al álbum y una muestra fiable del estilo en que se moverá el resto del trabajo, en ningún momento dejando a un lado la principal característica de la banda, el desarrollo vocal.

"What it is" es un álbum lleno de éxitos, de posibles sencillos, que viene a mejorar (en el aspecto puramente instrumental) la calidad mostrada en el debut de Naturally 7. Sin embargo, dada su poca experiencia en estas lides, sus baladas se acercan bastante al estilo de las "boyband", lo que, por otra parte, sopesan con un asombroso talento. Sería difícil que una de las susodichas bandas recreara clásicos como "More than words" con la maestría de estos siete.

Y como en Europa fue producido, la influencia del sonido del viejo continente es un factor que merece ser nombrado, con melodías mucho más electrónicas (electrónica elegante la de este lado del charco) y, en consecuencia, dotando al conjunto de los temas de cierto colorido pop. Definitivamente, Naturally 7 llamaron a la puerta correcta. Aún aseguran la completa ausencia de instrumentos, ver para creer, de ese modo nos emplazan al directo.

Ready II fly (2006)

A la tercera va la vencida, que se suele decir. Con "Ready II Fly", Naturally 7 han cimentado un estilo propio, una etiqueta que es sinónimo de éxito, una evolución coherente y, lo que es más importante, una calidad acorde con sus capacidades y a la altura, en ocasiones sobrepasando de largo, a estrellas de la música negra actual reconocidas a nivel mundial, tal es el caso de Brian Mcknight o Jamie Foxx, por citar sendos ejemplos.

No hay nada que se haya dicho anteriormente de esta banda que no tenga cabida dentro de este trabajo: impresionantes capacidades vocales, ausencia instrumental, fusión de r&b, soul, hip-hop (mucho más relevante en este trabajo) y, muy de tanto en tanto, sonoridad pop. Sin embargo, hay algo que caracteriza a este nuevo disco, esa renovada actitud teñida de agresividad, de grandeza presencial. Aquí estoy yo y nada se me resiste. Se agradece que la "pomposidad" de la que hacía gala "What it is" (por no utilizar otros calificativos) haya quedado en el lugar de donde nunca debió salir aunque, ya se sabe, los tiempos cambian y también las formas, hecho que les exculpó en su momento y que hubiera sido imperdonable en la actualidad.

El sencillo de presentación es "Feel it (in the air tonight)", su mayor éxito hasta la fecha y versión del antiguo clásico de Phil Collins. "Feel it" es una amalgama de sampleados ochenteros y estética funk de melodía pegazida, tanto que desde el preciso instante en que llegue a nuestros oídos no dejará que nos libremos de ella tan fácilmente. Oh Lord! Oh Lord! Y nunca mejor dicho...

Mayor presencia, por tanto, tendrá el sonido funk en este disco, y ahora sí, resulta imposible concebir que esos sampleados de reminiscencias ochenteras, no pertenezcan sino a la habilidad de varios miembros de la banda; si ellos dicen que no hay trampas, es que no las hay.

Erykah Badu - From nu-soul to frequency

Baduizm (1997)

Erykah Wright, más conocida como Erykah Badu, es la figura por antonomasia del género negro actual. Su prestigio dentro del circuito underground alcanza cotas insospechadas desde que en el año 1997 publicara su álbum debut, "Baduizm". La crítica besa por donde ella pisa, considerándola la madre del soul moderno, por su tesitura aterciopelada y sedosa, comparada con la de Billie Holiday o Ella Fitzgerald, por sus grandiosas composiciones y por ese regusto añejo de unos temas que solo tienen una descripción posible, Erykah Badu.

Baduizm supone un inicio de carrera fulgurante, una muestra de las tendencias desarrolladas a mediados de los noventa, que se nutren de géneros como el jazz, el blues o incluso el hip-hop, en una conjunción soberbia de arreglos de cuerdas, vientos y metales, que aportarán el toque de elegancia al tempo sosegado de la gran mayoría de los temas. Un trabajo con tintes místicos, donde Erykah reivindica su posición naturalista frente a todo tipo de expresión sentimental, bien sea versando sobre el amor o sobre la problemática humana. Destacan cortes como "Apple tree", "Next lifetime", "Certainly" o "4 leaf clover", entre un amplio repertorio de piezas indispensables no solo en la carrera de la artista, sino en la historia de la música moderna.

Mama's gun (2000)

"Mama's gun" verá la luz con el nuevo milenio (tras un disco en directo) y con él continua la andadura clasicista de Badu, si bien en este disco se muestra un amplio abanico de tendencias, donde el factor acústico y los guiños funk se dejan ver con mayor frecuencia. Erykah pasa a un nuevo nivel más independiente: sus temas se alargan, como en un sueño infinito a corazón descubierto, sin una estructura fija ni un patrón predefinido, como si de un ejercicio de improvisación se tratara.

"Bag lady", "Booty", "Cleeva" o "Didn't cha know" entre otros, dan a entender que Erykah, propensa a rodearse de grandes músicos, ha madurado un estilo muy definido ya en los tres años transcurridos desde Baduizm, de forma paralela a la evolución del jazz en la época actual. Algún reflejo habrían de tener las largas giras de conciertos y las colaboraciones con músicos de la talla del trompetista Roy Hargrove. Sin embargo, el hecho de dejar en un segundo plano al artista para dar más importancia a la instrumentación, como si el primero fuese únicamente un elemento de una banda, en lugar del pilar fundamental que la sostiene, hace que Mama's gun no llegue al nivel de su predecesor en cuanto a interpretación y expresividad.

Worldwide underground (2003)

Que "Worldwide underground" se pusiera a la venta bajo la etiqueta de "EP", aporta cierta idea sobre que este no sea el sucesor oficial de "Mama's gun". Las razones que pueden llevar a un artista a considerar un trabajo de más de cincuenta minutos como un "EP" en lugar de un larga duración pueden ser varias. En primer lugar, que atienda más a un capricho o una necesidad de sacar a la luz material inédito que de desarrollar un álbum con contenido digno de los anteriores trabajos o, simplemente, que por imposición contractual, de salida a un conjunto de temas con cierta coherencia entre sí. Y "si te he visto, no me acuerdo".

Siguiendo la estela del anterior trabajo, los temas se alargan ("Bump it", "I want you"), mientras que los matices hip-hop se acentúan; vease el caso de "The grind" o "Danger". "Back in the day" o "Think twice" se acercan peligrosamente a su debut, apenas rozando el nivel de dicho trabajo. Acompañada de grandes como Angie Stone, Queen Latifah, Rafael Saadiq y Common la Badu nos vende que el neo-soul ha muerto. Esperemos que no sea cierto.

Justin Timberlake - Discography

¿Tiene derecho el "principito" del pop a ser algo más que eso? La respuesta es sí. Tras una larga trayectoria como lider de la banda N'Sync, cuyo estilo pasaba por el pop con guiños r&b o soul, en tanto que formaban una aceptable agrupación vocal, Justin Timberlake decidió encaminar su carrera centrándose enteramente en el género negro. Es cierto que es mucho más fácil sorprender cuando nadie espera nada de ti excepto miles de quinceañeras enloquecidas por tocar aunque solo fuera un milímetro de tu piel; sin embargo, y a pesar de ello, Justin consiguió derribar esa delgada línea que separa lo "respetado" de lo "repudiado" por intrusismo.

Entonces llegó "Like I love U", primer sencillo de su disco debut, y con él, una nueva imagen mucho más urbana. Una incesante promoción, un gran tema, un videoclip con una estética muy acorde con esa nueva imagen y una increible demostración de cualidades para el baile (algunos llegaron a compararlo con Michael Jackson) y aceptable capacidad vocal, dejaron al público, acostumbrado a ver a Justin rondando otros registros, con ganas de mucho más. "Justified" se convirtió rápidamente en un fenómeno mediático y en el reconocimiento de un artista de gran valía.

Trabajar con The Neptunes, Timbaland y Brian Mcknight configuraba una fórmula de éxito asegurado, siempre y cuando el talento no brillara por su ausencia, nada más lejos de la realidad. Paulatinamente, sencillo tras sencillo, revalidaba su liderazgo en las listas de ventas de medio mundo. "Cry me a river", "Rock your body" y "Señorita" fueron los sucesores de ese aclamado primer single. A ello hay que añadir una espectacular gira junto a su compañera en "The Mickey Mouse club" (el pasado siempre acecha a la vuelta de la esquina), Christina Aguilera, que por entonces revalidaba su carrera con "Stripped". Objetivo conseguido.

Por tanto, "Justified" es un gran album, con un objetivo claro y una coherencia explícita. En cambio, hay temas que siguen sonando ligeramente pop (o simplemente "ligeros") y que no encajan en el proyecto. El mejor tema, dentro de una reminiscencia soul, "Never again", producido por Brian Mcknight aunque, por supuesto, no desluce ninguna de las producciones de la pareja de oro, Chad y Pharrell, así como algunos de los cortes de Timbaland, entre ellos, "Cry me a river". Las puertas de olimpo musical se abrían ante Justin Timberlake.

Live - T4 Special (UK, 2006)

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Tres años después de la salida al mercado de "Justified", tras innumerables colaboraciones con otros artistas, Justin comienza a desarrollar la base de este nuevo trabajo del cual se especuló hasta la saciedad. Algunos rumores (incluso apareció un posible "tracklist" del disco) le situaban en esta ocasión muy cercano a la estética nu-soul, trabajando con India Arie o John Legend, entre otros. Lamentablemente, "Sexyback" derribó las expectativas creadas a la par que generaba cierto recelo hacia su nueva producción discográfica.

Del mismo modo que ya ocurriera con "Like I love U", este primer single, a pesar de las sensaciones iniciales que produjo, coronó rápidamente la lista Billboard, suponiendo el estreno perfecto para un nuevo estilo, mucho más electrónico y bastante menos "negro".

"Future sex/love sounds" es un bombardeo constante de bases contundentemente inimaginables y devaneos con los elementos menos "naturales" en cuanto a instrumentación se refiere, siendo, por tanto, sampleados y melodías electrónicas la tónica general de un conjunto de canciones con poco sabor a Justin y cierto regusto a innovación. Parece lógico, siguiendo estos precedentes, que en la primera escucha este disco sepa a muy poco y decepcione bastante aunque, tras varios intentos, empieza a cobrar sentido la idea inicial, sobresaliendo brillanteces como "My love", "What goes around", "Summer love" o el propio "Sexyback".

Este disco vale más por lo que pudo haber sido, amén de ese innegable factor de innovación, que por su calidad musical, dado que la producción de la mayoría de los temas (con las excepciones ya citadas) está llevada al extremo con un barroquismo propio de las tendencias actuales. Por supuesto, mención especial requiere el trabajo de Will.I.am en alguno de los temas, que quedarán eclipsados por el trabajo de "Timbo". De nuevo, el mejor tema del disco es el que pone el broche final. Si en "Justified" fue "Never again", en esta ocasión es "All over again", con Justin al piano y una vez más (again) ese sabor soul que tan bien sabe hacer suyo.

Sea como fuere, la realidad es que Justin se ha convertido, sí o sí, en uno de los artistas más importantes de esta década y que muchos tenemos la certeza de que en próximos trabajos, sin dejar de lado el factor sorpresa (característica que ha llevado a otros artistas como el propio Michael Jackson o Madonna a la cumbre), nos deleitará con temas más acordes con el género negro. Mientras tanto, sus temas en directo ganan, y bastante. No diré que "Future sex/Love sounds" es un disco cien por cien recomendable pero sí que Justin es un artista cien por cien imprescindible.

En cuanto a los videoclip de este nuevo trabajo, está explotando su faceta interpretativa. Si en "sexyback" le vimos junto a Elena Anaya en escenas que emulaban las películas de James Bond, en "What goes around" se ha llevado a cabo un cuidado trabajo de filmación junto a la estrella del celuloide, "Scarlett Johansson", en una historia con final trágico.

Live in Paris (2006)

El soul acústico de India Arie.

India Arie debuta con "Acoustic Soul" en el año 2001, disco por el que recoge siete nominaciones a los importantes premios Grammy, sin llegar a conseguir ninguna de las ansiadas estatuillas; tal vez su reconocimiento aún no estaba preparado. El soul acústico de Arie es una particular visión de la música negra clásica cortada por el patrón del soul actual, que por entonces vivía su propio renacimiento, gracias a proyectos como "Baduizm" de su compañera Erykah Badu o "Brown sugah" de D'angelo.

"Acoustic soul" nos involucra en composiones de grandísima calidad como "Brown skin" en el que India muestra su incondicional respeto por su raza, con una sensibilidad llevada al extremo, y mostrándonos la unión en sí misma del artista con la música, sin mayores pretensiones que la expresión de sentimientos propios.

"Voyage to India" vió la luz poco menos de un año después. Un disco algo más orgánico que el anterior, con mayor protagonismo, si cabe, de la instrumentación. Quizá tenga un sabor más pronunciado el nu-soul con temas up-tempo muy cercanos al estilo que caracteriza a la "Motown", sin llegar a abandonar la espiritualidad tan presente durante toda su carrera. Sin embargo, en este segundo trabajo ya empiezan a adivinarse elementos que continuarán desarrollándose en "Testimony Vol. 1", aquellos que acercan el estilo de India hacia una estética pop (por supuesto sin llegar a serlo) que pecan, quizá, de una extrema suavidad.

"Get it together", "The truth", "Little things", "Talk to her", "Slow down" o "Butterfly" mantienen una coherencia soul bastante notable, mientras que cortes como "Beatiful surprise" o "Complicated melody" nos muestran esa cara intimista de Arie al frente de su guitarra y sus propias composiciones. Y como con el género nu-soul hemos topado, no faltarán elementos jazz (los menos), como en "Christmas song" junto a Stevie Wonder, tema que cierra el disco.

De John Stephens a John Legend

John Stephens nació un 28 de Diciembre de 1978 en Springfield, Ohio. Cuatro años después ya formaba parte de una coral de gospel como vocalista y pianista. El resto es historia, un cuento con final feliz y moraleja incluida: "los sueños se cumplen". De como John conoció a Kanye West, su padrino y productor musical (cuando aún no eran más que dos estudiantes), no es preciso hablar, el hecho es que la participación del primero en la maqueta de "The college dropout" y el alto nivel de producción de Kanye en lo que sería "Get lifted", les llevó al éxito casi a la par. "¿Qué fue antes, el huevo o la gallina?" Una comparación un tanto descabellada pero muy acorde, lo cierto es que hoy por hoy son un tándem indisoluble y una garantía explícita de calidad musical. La crítica está a sus pies. Cuando el rio suena...

Pero para conocer a fondo la carrera musical de John Stephens es preciso remontarse a finales de los noventa, tras su participación en el tema "Everything is everything" del "Miseducation of Lauryn Hill". Por entonces John era una joven promesa de la escena independiente que paseaba su voz rasgada por todo New York, Philadelphia o Washington.

De aquella época datan un EP de seis temas y su disco homónimo (imagen de la izquierda), de los que poca información se tiene y que resulta imposible encontrar. Parece que el primer intento de entrar en el mercado discográfico no resultó demasiado fructífero. Así pues John continuó realizando conciertos en muchas salas, en las que vendía copias de sus álbumes en directo.

Live at Sob's New York City

Este directo es la prueba de la autenticidad de Legend como músico y artista por encima de todo. Una magistral visión funk y soul de algunos de sus temas posteriormente publicados, otros que quedaron en el tintero además de alguna versión. Destila pureza y autenticidad por los cuatro costados; sorprende gratamente escucharle interpretar en esta temática, por algo se le considera la gran promesa del soul contemporáneo.

Solo Sessions: Live at the Knitting Factory

El mismo año de la publicación de su disco debut, John grabó este concierto junto a figuras invitadas, entre ellos, su amigo Kanye West. Es un recital mucho más relajado que el anterior, en el que escuchamos a John solo frente a su piano. A mi parecer, una muestra más de la brillantez de este artista. Como versa "Let's get lifted", "just relax", solo relájate y disfruta.

Con "Get lifted" llegó la revolución y el tan merecido reconocimiento profesional. Un disco por el que obtuvo tres premios Grammy además de unas excelentes ventas y un alubión de críticas positivas. Es un álbum de puro soul con reminiscencias hip-hop, toque que aporta el principal productor, Kanye West, como no podía ser de otra manera. Colaboraciones de Snoop Dogg, Miri Ben Ari o la familia Stephens al completo, entre otros. Siguen cautivando sus temas a piano, como "So High" u "Ordinary people" pero el nuevo sonido nu-soul de cortes como "Alright" o "Used to love you" van un paso más allá, dentro de uno de los debut más comprometidos de los últimos años, desde "Songs in A minor"

Live at The House of Blues

Después del éxito comercial de "Get lifted" y en el marco de la gran gira que le llevó a recorrer toda la geografía estadounidense y parte de la internacional, Columbia decidió grabar un DVD recogiendo uno de los conciertos más apasionantes de la carrera del intérprete de Springfield. Una excelente ocasión para descubrir si el paso de los años y el éxito ha cambiado un solo ápice del talento que derrocha John Legend. Como detalle, hace un pequeño recorrido de todas las colaboraciones que ha realizado a lo largo de estos años, desde "Encore" de Jay-Z, hasta "You don't know my name" de la gran Alicia Keys.

Sounds of the Season

Por último y como pequeño regalo os traemos un EP con temas navideños que publicó a finales del pasado año, antes de la salida al mercado de su segundo álbum "Once again". Ni que decir tiene que son los típicos villancicos, o no, porque se permite el lujo de incorporar su particular versión de "What a wonderful world" del maestro Louis Armstrong.

Roy Hargrove presents The RH Factor

The RH Factor - Hard Groove (2003)

Roy Hargrove, trompetista de jazz norteamericano de alabada trayectoria, formado desde temprana edad como músico, es la viva representación de la palabra talento. Su enorme capacidad creativa le permite sostener grandes discos como este "Hard groove" junto a su banda "The RH Factor", con influencias (muy notables) del soul, el hip-hop, el funk o incluso la música gospel. "Hard groove" es un disco de clarísimo mestizaje con una delicada producción y una riqueza instrumental suprema, en un intento por aglutinar todos los géneros negros existentes. Desde "Common free style", con marcado guiño hip-hop, hasta la reinvención soul de "Kwah/Home" pasando por el tema que da título al disco, "Hard groove" es una delicia para los sentidos, un álbum vibrante al alcance de muy pocos, en el que Hargrove nos ofrece su visión de la nueva oleada neo-soul y la evolución del hip-hop hacia los cánones clásicos. Cuenta para ello con las colaboraciones de visionarios como D'Angelo, Erykah Badu, Common, Q-tip o Anthony Hamilton (entre otros) además de una larga lista de músicos invitados.

Roy Hargrove - Nothing Serious (2006)

2006 ha sido el año elegido para la vuelta de Roy Hargrove en solitario, por la puerta grande, con "Nothing serious", porque solo un músico de su talla se puede permitir la licencia de titular a su álbum "nada serio". A diferencia de "Hard groove" este es un trabajo de jazz sin mayores pretensiones (tal vez a eso se refiera calificándolo de "nada serio"), con temas brillantes (por si alguno tenía alguna duda) y una instrumentación solo equiparable a las grandes formaciones. Y es que esa es la única clave que sostiene este disco, la instrumentación, que hará las delicias de los más sibaritas del género durante ocho temas que exploran las facetas más clásicas del jazz actual a partir de elementos habituales como saxo, flauta, tompreta, bajo, batería o piano.

Sin embargo y a pesar de tratarse de un disco de jazz acústico, también se observan ciertas tendencias, como en el tema "Invitation", una fusión de funk y swing ejecutada con gran maestría, o el corte que pone título al disco donde elementos del son cubano salen a relucir.

Pura calidad musical en toda la extensión de la palabra.

The RH Factor - Distractions (2006)

Simultaneamente a la aparición en el mercado de "Nothing serious", The RH Factor volvían a deleitarnos con sus preciosistas composiciones jazz a través de "Distractions", un disco que, a pesar de seguir la misma linea estructural de "Hard groove" no irrumpe en un eclecticismo tan grande como ese anterior trabajo. "Distractions" es algo más orgánico, con mayor contenido jazz si cabe y un sabor a Roy Hargrove más pronunciado. Los elementos jazz se extrapolan, en ocasiones se tornan más ácidos, con un guiño muy marcado hacia lo "underground" mientras en las restantes juegan incluso con elementos pop. Aparecen sampleados electrónicos (patente del funk ochentero) en las melodías y desaparece, solo en parte, la cuestión vocal, de la mano de los ahora colaboradores fijos en la formación, D'angelo y Renee Neufville, también presentes en las tareas de composición.

Temas como "A place" recuerdan a otras formaciones como Outkast o Gnarls Barkley, maestros de la innovación; otros como "Hold on" y su instrumentación de viento nos acercan más a las producciones de Prince, al tiempo que destacan, en una última vertiente instrumental, cortes del estilo de "Bullshit", fusión de ritmos hip-hop con la estética "crooner". "Distraction" afianza a The RH Factor como una de las formaciones punteras del jazz contemporáneo y nos regala excelentes muestras de la fusión musical que se vive en el periodo actual.

Aaliyah - De "princesa del R&B" a leyenda

Aaliyah Dana Haughton
(16 Enero 1979 – 25 Agosto 2001)

Su nombre, cuya traducción del árabe es "la mejor", suponía una predicción en la carrera de esta estadounidense nacida en Brooklyn. Aaliyah es una de esas personas que nacen con estrella (o con un pan debajo del brazo) y es que no es poco ser la sobrina de Gladys Knight y que tu mentor sea R. Kelly, uno de los personajes más relevantes en la escena musical de los noventa.

Escuchar a Aaliyah, tras su muerte en un trágico accidente aéreo en el año 2001, deja primero un nudo en el estómago y con posterioridad una sensación de pena e impotencia por lo que pudo ser. Tres discos de estudio y más de cincuenta millones de copias vendidas en todo el mundo. La industria musical estaba a sus pies, la cinematográfica se frotaba las manos ante la que podría haber sido una de las estrellas mediáticas más importantes de la historia mientras que los jóvenes americanos hacían de ella un referente y ayudaban a labrar la imagen de leyenda viva que Aaliyah posee.

El comienzo

A la tierna edad de 15 años, tras firmar contrato con Blackground records (compañía de su tio Barry Hankerson) Aaliyah sorprendió a propios y extraños con "Age ain't nothing but a number". La edad no es más que un número cuando se cuenta con su talento y este viene acompañado por la creatividad en la producción y composición de R. Kelly. Este disco supuso una auténtica revolución en el panorama musical ya que se trataba de una innovación en el panorama del r&b de los noventa. Una fusión entre el hip-hop de la vieja escuela y el nuevo movimiento rythm and blues que empezaba a forjarse por entonces. Los vocales de Aaliyah suenan tremendamente potentes (a la par de extremadamente dulces) en este álbum, bien sea en conjunción con bases de hip-hop, bien en los temas más cercanos al soul acompañados por piano, sintetizador o batería (arreglos típicos del mejor r&b de los noventa).

La consagración

Dos años después veía la luz "One in a million" (término muy utilizado para referirse a Aaliyah), de la mano de los por entonces desconocidos Timbaland y Missy Elliot. Este disco volvió a situar a Aaliyah en los puestos más altos del Billboard y, adicionalmente, le llevo a conseguir la aclamación de la crítica, que alabó la posición más madura desde la que afrontó este nuevo trabajo.

Un sonido similar al del anterior álbum, a caballo entre el hip-hop y el r&b, pero con sensualidad renovada y cierta crudeza e intencionalidad que faltaban en su anterior disco, dejando a un lado su cara más dulce (aquella que le brindó en "Age ain't nothing but a number" el ser casi una niña). Rememoración de elementos jazz con saxos incluidos, incorporación de tendencias funk con sampleados y bajos y una calidad de producción inmensa hacen de este disco una verdadera joya.

En este momento fue cuando empezó a forjarse la meteórica carrera de esta cantante en otros ámbitos como el publicitario (firmó un suculento contrato con Tommy Hilfiguer) o el cinematográfico, llegando incluso a protagonizar dos películas en los años posteriores, "Romeo debe morir" (cuya banda sonora fue un auténtico éxito) y "La reina de los condenados", adaptación a la gran pantalla de la novela de Ann Rice y secuela de "Entrevista con el vampiro".

Disco homónimo

Ya en el 2001, después de reinventarse a sí misma y volver a introducir un nuevo sonido en la música r&b actual con la banda sonora de "Romeo debe morir" y temas como "Try again", llegó su disco homónimo y último de su carrera. Quizá la diferencia con sus anteriores trabajos radique en elementos algo más electrónicos y la eliminación del sonido "old school" en los temas up-tempo ("Try again", "more than a woman") así como la incorporación del soul más puro en fusión con elementos pop a la mayoría de los medios tiempos (grandes temas como "I care for you"). Seguía, por tanto, destilando gran talento vocal y, lo que es más importante, la intencionalidad desprovista de estrategia comercial además de un nuevo sentido de dramatismo en sus interpretaciones.

"Rock the boat" fue su último sencillo, ya que tras volver de la grabación del videoclip promocional del mismo, sufrio un terrible accidente de avioneta que le costó la vida a ella y a todos sus acompañantes.

Repercusión mediática e innovación musical

Aaliyah abrió una puerta por la que otros artistas han pasado durante todos estos años (incluso Mariah Carey con su Butterfly, que supuso su entrada por la puerta grande en la música negra, recuerda mucho al sonido Aaliyah). Sin embargo, existe una diferencia bastante notable y es que las condiciones o cualidades vocales de Aaliyah están muy por encima de las del resto de pseudoimitadoras (aquellas que solo tomaron la parte de imagen, desdeñando la innovación musical que esta supuso) que lideran las listas de ventas, amén de que su estilo innovador aunque comercial ha sido bastante degradado en la época actual, convirtiendo el r&b con tendencias soul de Aaliyah es nada más que pop de imagen negra y sonido electrónico.

Aaliyah se ganó a pulso el pseudónimo de "Princesa del r&b" y su muerte la elevó al nivel de "mito viviente" (como ya ocurriese con otros personajes como Elvis o Marilyn Monroe). Estoy seguro que de no ser por su repentino accidente, a día de hoy Aaliyah sería el personaje más importante dentro de la industria musical, al menos en EEUU, pero hay veces que la vida trunca todas nuestras expectativas de golpe. Muchas son las que han sido comparadas con ella, muchas son las que han pasado a ostentar su título sin llegar realmente a su nivel mediático (tal vez esto tenga que ver con la repercusión que la muerte, y esto es triste pero cierto, tuvo en su carrera), pero ninguna será lo que pudo haber sido Aaliyah, eso seguro.

Al menos, nos queda su música. Rest in peace.

Lauryn Hill, talento en estado puro.

“Fantasy is what people want, but reality is what they need”

"The Fugees" fueron una de las bandas más importantes de los noventa; formada por nuestra protagonista y sus compañeros Wyclef Jean y Pras Michel, el término proviene de "refugee", refugiado, lo que nos brinda una idea del contenido social y reivindicativo de la formación. Tras un primer álbum de éxito bastante moderado, llegó "The Score" y la versión de "Killin' me softly" de Roberta Flack que les catapultó al éxito, vendiendo 18 millones de copias a nivel mundial y consiguiendo dos grammy. Poco tiempo después cada uno de los miembros de la banda tomó caminos alternativos dentro del mundo de la música. En el caso de Lauryn Hill, "The miseducation of..." supuso su disco debut en solitario.

El título ya nos hace intuir la linea reivindicativa que ha caracterizado a Lauryn desde sus comienzos. Diez años después "The miseducation..." no ha perdido un solo ápice de calidad. Y es que este largo fue una auténtica mezcla de innovación y clasicismo, poesía y lirismo a partes iguales. Sus giros llegan a estremecer y sus letras se clavan en lo más profundo. La temática ahonda en lo personal (sobre todo el nacimiento de su hijo) sin faltar a concepciones tanto políticas como sociales de la época.

En un cancionero de tamaña grandeza, tal vez destaquen "To Zion" (con un Santana al más alto nivel), "Doo wop (That thing)", "Nothing even matters" (tremendo dueto con D'angelo), "Everything is everything", "The miseducation of Lauryn Hill" o "I used to love him" (junto a su amiga Mary J Blige). Melodías de piano, instrumentaciones de viento, orquestaciones de cuerda, bases crudas, fusión de soul, hip-hop y r&b y letras profundas son la tónica de este disco, que lejos de mostrarnos la falta de educación de Lauryn Hill nos demuestra que talento tiene de sobra.

Un retiro voluntario de tres años tras un descontento importante con la industria del disco, separó a Lauryn de la opinión pública y en 2002 volvía con un Unplugged bajo el brazo y una nueva imagen, mucho más descuidada y racial. En aquel concierto nos mostró una concepción diferente de su música, ilustrada por la siguiente frase que dijo durante la grabación: “Fantasy is what people want, but reality is what they need. I’ve just retired from the fantasy part.” (La fantasía es lo que la gente quiere, pero la realidad es lo que necesita. Yo me he retirado de la parte de fantasía). Por esta razón, la mayoría de las canciones las interpretó únicamente a voz y guitarra, dando a entender que se preocupaba más por el contenido que por la forma, lo que le reportó críticas bastante dispares. Opiniones al margen, nadie puede dudar que Lauryn es uno de los grandes genios de los últimos tiempos.